探索梵高精神世界：割掉耳朵后的自画像与艺术家心理剖析
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1. 割耳后的自画像
这幅《割耳自画像》画于1888年2月，是留给后人的第一幅表现梵高当时在阿尔勒精神状态的自画像。画家额头高高翘起，鹰钩鼻，脸型呈三角形不对称，颧骨突出，面颊凹陷。他的形象给人们留下了非常深刻的印象。梵高的自画像常常成为画家心理探索的证据，是画家性格特征的一面镜子。画家在描绘自己时，敢于剖析并毫不掩饰地揭示出自己性格中最令人惊讶却也最感人的一面。这幅肖像画是在他“割耳事件”一个多月后画的。此时此刻，画家找到了内心的自我平衡。
2.向日葵
东京安田葛西美术馆藏
梵高用简洁的笔触表现植物的造型，充满韵律和活力。整幅画依然保持了一贯的黄色调，但颜色更淡、更明亮。这幅画被认为是梵高最后一幅大型《黄屋向日葵》。
在这幅作品中，你再也看不到自画像中短促而尖锐的笔触。在这里，他的笔触扎实、有力、豪放、奔放，生动地描绘出了向日葵的绚丽光泽和饱满轮廓。他大胆地使用了最强烈的色彩，因为他清楚地知道：“时间会让它们变得暗淡，甚至太过暗淡。”尽管采取了一切保护措施，这些颜色仍然失去了原有的光泽。
《向日葵》打破了人们的刻板印象。强烈的对比色与厚重的色块完美结合，创造出新的对比色体系，将对未来的艺术发展产生深远的影响。
这幅画以黄色和橙色为主，绿色和蓝色的细腻笔触勾勒出花瓣和茎的轮廓，蓝色也用在签名和其中一朵花的中心。种子上浓密的色斑有夺目的效果，细腻的笔触力求表现花盘的丰满和花朵的曼妙质感。
“一张黄底前十五朵花的图，跟我以前画过的很像，不同的是，这幅画更大，效果也比较特殊。我觉得这幅是基于更简洁的做法。画的手。”
“在我的黄色房间里——一朵带着紫色光环的向日葵在黄色背景前脱颖而出，花茎浸在黄色盆中，放在黄色桌子上。画面一角上方，艺术家签名：文森特黄色的阳光透过黄色的窗帘照射在我的房间里，让我沐浴在金色之中。早晨，我在床上醒来，想象着一切都是芬芳的。”
3. 夜间露天咖啡馆
梵高经常在晚上去离他住所不远的一家咖啡馆。咖啡馆里耀眼的灯光和满天的星星激发了他对绘画的热情。在这幅画中，他用黄色和蓝色来表达一种独特的感觉。灯光照射下的黄色咖啡座与画中蓝色的星空形成鲜明对比，使整幅画显得美丽，充满了宁静的诗意。梵高曾说过：“对我来说，夜晚似乎比白天更有活力、色彩更丰富。在夜晚作画，看着天上闪烁的星星和地上的灯光，是一件美丽而宁静的作品。” ”
梵高5月至9月18日期间住过的兰卡斯特咖啡馆位于Place du Forms广场，因整夜营业而被称为“夜间咖啡馆”。他曾在《梵高》中画过一幅咖啡馆内部的作品。两个通宵，《夜间咖啡馆》是同时期的作品，他常常觉得夜晚比白天充满了鲜艳的色彩，所以我多次去户外画云。画中，煤气灯照亮的橙色天篷与深蓝色的星空形成反差，似乎暗示了梵高希望与遗憾、幻想与大胆的复杂心态，揭示了他复杂而不安、犹豫而紧张的心理状态。
4. 夜间咖啡馆
《夜晚的室内咖啡馆》是荷兰著名画家梵高的作品之一。这幅画是他于 1888 年 9 月在法国普罗旺斯阿尔勒创作的，目前收藏于荷兰库勒米勒博物馆。
梵高在阿尔勒画的咖啡馆至今仍矗立在拉马丁广场。梵高到达阿尔勒后就住在这里。后来，怀着建立艺术家聚居地的希望，他搬进了黄房子，和高更一起住了两个月。
梵高阿尔勒时期的作品总是以充满阳光的明亮风景为特色。事实上，他还画了很多受夜景刺激的画作。
这幅右下角有梵高签名的画描绘了室内咖啡馆的场景。画面中间的门帘半开半闭。推测门后有许多独立的小房间。左右两侧靠墙坐着五个顾客。服务员站在灯光下面向观众。他这边房间中央有一张台球桌。
照片中的五名顾客被描述为醉酒流浪汉、妓女和嫖客。有学者说，咖啡馆是穷人和妓女晚上闲逛的地方。这可以在图片的远角看到。反映。
5. 星夜
作为表现主义后印象派画家梵高的作品，这幅画具有强烈的笔触。油画中的主色调蓝色代表一种不愉快、阴郁的感觉。很粗的笔画代表悲伤。画中的场景是望向窗外的场景。画中的树是柏树，却被画得像黑色的火舌，直冲云霄，让人感到不安。天空的纹理就像一个带有无数星点的螺旋星系，而月亮则呈现出暗淡的日食。整幅画中，底部的村庄用直粗短的线条描绘，表现出一种宁静；但与上部粗犷弯曲的线条形成鲜明对比，体现在这种高度夸张的变形和强烈的视觉反差上。揭示了画家躁动不安的情感和迷幻的意象世界。
6.罗纳河上的星夜（星空）
《星夜》是一幅既近又远的山水画。这从16世纪风景画家老勃鲁盖尔的高透视风景技法中可见一斑。虽然梵高更直接的来源是某些印象派画家。山水画。高大的杨树颤抖着，悠闲地出现在我们面前；山谷里的小村庄在尖顶教堂的保护下平静地休息。宇宙中所有的恒星和行星都在“最后的审判”中旋转和爆炸。这不是对人类的最终审判，而是对太阳系的最终审判。这幅作品于 1889 年 6 月在圣雷米疗养院创作。第二次精神崩溃后，他住进了这座疗养院。
一个疯子，或者一个无法控制自己行为的人，是永远画不出如此有分寸、有技巧的画作的。我记得关于梵高的一句话：“如果它极其辉煌，它要么黯淡，要么消亡，所以梵高只能毁掉自己。”
7、爱吃马铃薯的人
《吃土豆的人》展现了一个贫穷的家庭，整天辛苦劳作，但餐桌上唯一的主食就是土豆。画中右侧的老妇人，生活的压力剥夺了她所有的生活乐趣。她机械地将咖啡倒到手里，没有与桌上的任何人进行目光接触；画中左侧的中年男子，态度谨慎。盯着对面的母亲，她似乎对自己的胃口充满了愧疚。昏暗的灯光下，围坐在餐桌旁的一家人眼中依然带着饥饿的神色。此时无声胜有声，他们似乎在悄悄诉说着自己的悲伤……
围坐在餐桌旁的五个农民都进行了个人练习。右边农妇那双明亮、疑问的眼睛，下垂的沉重眼皮，布满皱纹、凹凸不平的脸和手，充分展现了大地勤劳劳动者的“力量”。他在信中表示，希望这幅画能够强调“放在盘子上的手已经挖出了土壤”。同时，窗外的风景也让人深深感受到了煮土豆的香气。
这幅画《吃土豆的人》是梵高接触印象派之前最重要的作品。与以往以织工为题材的作品相比，这幅画的明显区别是人物成为了主角。虽然因为距离模特太近而导致透视比例出现偏差，但梵高在这幅画中加入了自己的主观情感，不再拘泥于现实主义的“冷静观看”。一家人处于如此悲惨的境地，却又如此安宁、平静，让观者感受到对人生和命运的无限感慨。梵高说：“我要学的不是画比例正确的头像，而是画生动的表情。简单地说，不是描画无生命的事物，而是画生动的生命。”
8. 鸢尾花
《鸢尾花》是荷兰著名画家梵高的作品之一。 1889年5月，也就是他去世的前一年，他进入法国圣雷米的一家精神病院，并画下了这幅作品，目前收藏于美国加利福尼亚州保罗·盖茨艺术博物馆。
画面大部分被蓝色占据，浅如海蓝，深如墨团，凝结着难以理解的悲伤和痛苦。就连花叶都是绿中带着一丝蓝色的，心情闲适。那忧郁的蓝色是属于他的，伴随着生命而来。从构图上来说，鸢尾花的整体造型“内敛”，与左上角的那簇野菊花相呼应。野菊花的赭红色与土壤的颜色很协调。赭色和蓝色——不安的心情总是会带来忧郁。两者交汇处，有一朵白色鸢尾花，花朵大，茎长，花蕊朝前，成为画面的亮点。它只是在簇拥之中显得格外突出——一个特立独行、高傲的身影，在不安和忧郁中徘徊，没有出路。这是1889年5月的梵高，他把自己的心和灵魂都留在了画里。
9. 阿尔勒吊桥上妇女正在洗衣服
《阿尔勒吊桥》是梵高晚年生活在阿尔勒小镇时（相对于他只有30多岁的寿命）为表达对家乡的热爱而画的。春天的一个傍晚，几个洗衣妇正在河边洗衣服。他们的周围是绿色和黄色的草。镜子般的水被洗衣女工搅动起涟漪。阿尔勒的吊桥就在洗衣女工旁边。桥上的砖块上至少有三种颜色。这座桥由铁缆悬挂。马车从桥上驶过，马的前蹄还在动。这就是“阿尔勒吊桥”的场景。
1888年2月21日，梵高抵达法国南部阿尔勒，下榻卡雷尔酒店。这幅画是他抵达后三月画的。信上写着：“今天的作业是画15号——这是一座吊桥，蓝天下有一辆小马车驶过。河水、绿草、橘色的河水都和天空一样颜色。堤岸上还有一群穿着各种衣服的妇女。”这幅画的色彩清晰而果断，就像金属管乐器发出的响亮的声音，蓝色的天空，碧波荡漾的深运河，远离了巴黎的喧嚣。似乎他能听到自己快乐的声音。这座吊桥在二战期间被毁，其他地方又建了一座新桥。
10. 圣马迪拉莫海滩上的渔船
1888年6月，梵高来到距阿尔勒50公里的地中海渔村圣玛丽，在那里完成了多幅以渔船为题材的作品。他在499信中告诉西奥，地中海的颜色不断变化，就像鲸鱼一样。你不知道什么时候会变成绿色、紫色、青色……然而，千变万化的海面虽然美丽奇幻，却没有形状各异、红绿对比强烈的渔船那么深刻。这深深地打动了他的心。他将眼睛捕捉到的色彩鲜艳的渔船清晰地画在前景中，省略了其他部分来暗示距离，让人觉得这是日本版画中一种扩大空间的手法。细节的省略和夸张的变形凸显了空间的深度。
